vendredi 9 décembre 2011

Lee Noble


From LA, musician Lee Noble releases a superb album quickly gone, Horrorism, where synths and guitars hold each other's hand in a continuous flickering made with night visions ; in the same time, he's in charge of the very excellent label No Kings, where all is beautiful and sold out.

Original full version of the interview published this month in Balise # 3
+ Review published in Images en marge # 6
at french Vogue online

Texte français ci-dessous

What has been your own history of music, your own evolution, as a listener and as a musician, between the various fields of music, musicians, composers or bands, or styles, and, more precisely, the various ways of thinking music and of making music ?

As a listener, It took me a long time to get to what is now my favorite music.

I came a long way over a long period of time, I came late to most things, and really dug myself out of a hole of listening to bad music, or not knowing about music. I really didn't get into most things until college. My friends always knew more about music than I did, and I was very fortunate that they sometimes showed me the good stuff, though it would often take me a long time to realize it. I remember my friend TJ Richards giving me a copy of Experimental Jet Set Trash and No Star, and not really getting too into it (by this time we were already in a band together) but then much later listening to EVOL and finally understanding Sonic Youth, just thinking "Holy Fuck - GUITARS."

I mean, the further we get into the future, the deeper and deeper we are into an ocean of trash culture, you really have to spend a long time swimming through bad music and nonsense if you don't have some kind of guide. I did a lot of work.

As a musician: I'm from Nashville, and my dad is a guitar player, there was always cool equipment lying around the house, and I was always interested in touching instruments, but for a long time I wasn't interested in guitar because I thought that was "dad's thing". Picking up things and dropping them. I lack technical focus and tend to work in bursts and move on somewhat quickly. I can do many things fair-to-middling. By the time I was playing in a band I had traded a clarinet for a bass, and amassed a cache of borrowed guitars and things, and even scored a Moog from a Country Music producer who got it new in 1981, had a custom flight case made for it, and then left it untouched in his basement for 20 yrs. I was playing mainly bass in a band with friends called Poet Named Revolver. Together we still play occasionally when stars are aligned and with a few other friends as Horsehair Everywhere. But we practiced and toured and made a record, and that's where I learned anything about music, from them. We broke up in '07. Recording our magnum opus in a friend's studio was stressful and I think we were still bent on getting signed to an actual label, and thus we were frustrated. Still looking for that label for what I still think is an amazing album by the way. All this time I was recording songs on my own, usually more guitar driven stuff, though I have slowly been tempered by the allure of the synthesizer.

When I moved to California in 08, I got most of the fast riffs out of my system. Also I got a free broken harmonium which I fixed with some sticky tack, and that really changed my whole operation. It didn't work very well, so you had to play it very slow, it had many holes so the air was slow to vibrate the reeds. I began to record harmonium pieces on cassette and play them back and loop synth parts over them and that's pretty much what I do.

Today, would you say you have a specific conception of music, and if yes what would it be if you can express it with words?

Music is anything with intent. Say it is real and it is.

As a publisher, you've been founding the label called No Kings. First could you tell us a little about its own history, how you came to do it, then, the name "No Kings" has a clear political connotation. What kind of connection are you doing between music, and something like politics?

My bandmates from Poet Named Revolver, primarily Steve Molyneux and I, started the label in '06 as simply a name to put on our own recordings. We made CDRs then, and packaged them in paper slips with stamped artwork.

Though it was restarted in 2010 with a new focus on tapes, and seeking out new music to release. The name's meaning is certainly intentional, we are all very interested in propaganda, slogans, and left-wing activist culture, especially Central and South American propaganda artwork, and Revolution's many iterations. The Situationists / French Anarchist movement of the late 60s is also a touchstone. The name is a slogan is a weapon, etc.... Everything is political. Making music is very political. Being political doesn't have to be effecting overt real world change. But everyone who is involved in releasing artwork in any capacity is most definitely making change in their world. That is so much more effective and direct than collective signatures on a petition or something. Everyone who has a tape on No Kings or any other like minded label is adding to culture, and we're all coming from approximately the same head space, so that is political, that is activism, even when we are making seemingly meaningless abstract music, or perhaps even especially when we are doing that. A drop in the ocean is still a drop.

Jonathan Meese says that "art must dominate everything, all politicians must resign and art must be empowered... "The dictatorship of art is ideal". I like that.

You're making the artworks at No Kings, and generally you belong to a musical and publishing scene where most of the artworks are important, beautiful, and part of the object you get when you get the tape or record. How do you see the link between music and the connected artwork, does it tend to be a "global object", musical and visual, or is the artwork more clearly a kind of "pleasure bonus" but not as important as the recorded music, or are they 2 objects conversing together like each one its own words… ?

Paying attention to the details of each release's packaging indicates respect for the music and the release to me. If we're to insisting that these albums have a physical presence in the world, then we have to justify that by taking great care with it's packaging. my job at the label is to complete this packaging. i am given over half of the material for each release - the artist gives me his or her music, the dubbing house supplies me with plastic cases and the actual cassettes. I am effectively in charge of a small square of paper and selecting a color scheme, so I want to make sure that aspect of the release justifies it's own existence in the physical plane.

And really that's the only incentive artists have to partner with No Kings. I offer packaging. There are other labels that will get you more exposure, higher editions, vinyl, distribution. Each release is a partnership and there is no struggle between the music and visual aspects, they are intertwined.

How do you work, I suppose improvisation is a big part of the process, but is that all or are they some things that are written - if yes are they written because you first played them once and noted them, or written in a "composition process" -, do you make a piece or song in quite a quick process or do you work a long time on it, do you follow a first idea or are the pieces the results of many transformations ?… Is it always different… ?

Do you think the way someone is "making" music, in a word, the subject of this question I'm asking you, gives meaningful informations, or do you think these kind of "biographical" informations are irrelevant and the music itself is the only answer ?

First, I record something onto a little cassette recorder, usually improvised. Like a field recording that I play myself. And I work up from those pieces, layering. I have stacks of cassettes with harmonium or banjo or guitar melodies on them lying around. Sometimes I will complete several songs in a day, or sometimes I just have the base layer and I keep adding on over a couple weeks. It could have as many as 8 layers by the end, but I always use that first layer as the guide and build up from there.

I think that context, and biographical information is very important for a lot of people when they are listening to music. Though I wish it wasn't so heavily emphasized. People love to have a story about where music comes from. But I don't have an terribly interesting story, I'm just a guy, and I live in LA. But there's always albums that were "recorded in an isolated 200 yr old cabin in the ozarks by a monk" or something, and that's beautiful, but I try to ignore that allure of the "story" somewhat because I don't know what my story is. I hope people can appreciate an album that has a story, and also one that doesn't, that hopefully a connection with the music will be enough.

What is your connection with the "tools" of music, synths, guitars, pedals, recording equipment, maybe computer… ? Do you feel like you're directing them, or they're also giving their own directions to music ? or is it a kind of "shared work" ?

The fact that you're the one playing the instruments, but that simultaneously they're sounding their own sounds, can give the idea that making music is half-freedom half-reliance ; what is your own idea about this matter of freedom in music ?

I know I am giving up some of my sovereignty to my equipment, because of my lack of interest in focusing on technique and precision. I embrace the side effects of using old instruments and equipment, that's totally part of my work. I am dependent on my own collection of stuff, I owe my sound to their process. You'll notice that many of my tracks begin with the sound of the tape recorder being un-paused. If I bothered to learn how to use a computer for music, or better recording equipment I could absolutely have more control than I do, but I think I would lose my identity that way. Limitations are good, total freedom is the death of creativity, to some degree. I am not necessarily interested in precise control. But I do add my own sensibility for melody to their sound, I am responsible for that. And if I were just writing down instructions for other musicians, writing down notes, I wouldn't feel the same responsibility for my music, it is the way it is because I am playing it, alone.

Is there something you're seeking for ?

Systems of expression.

How are Listener-Lee and Musician-Lee connected ? They're the same, they're different, do you play or listen to your own music another way than others one ?

They are the same. I try to make music that I want to listen to.

What would be perfect in music ?

Effortless marriage of abstraction and emotion without pretense.

Interview November 11, 2011

Lee Noble, Horrorism,
Review in Images en marge # 6 at, November 2, 2011

Besides leading in LA the radical label No Kings, musician Lee Noble is a major promise of the young current US psyche-ambient scene. Already author of the magnificent Our star, the sun, a synthetic and timeless hymn escaped from which galaxies, he releases his debut vinyl at Bathetic Records : Horrorism. Pieces that start nowhere and end nowhere, swimming in a same tonality crushed, dissolved ; synthesizers ending their life, guitars dried up, made thirsty, echoes turning into extinction : the soundtrack received from the night from a ghost bandshell, endlessly turning in the middle of the sea.

Lee Noble :
No Kings :

Horrorism, Vinyl by Bathetic Records (sold out)
Buy it here in aiff / mp3 :
Grab it here :

Rip by The Radiant Now, many thanks for all

Also free download the wonderful Our star, the sun from Lee's bandcamp here :

Enjoy !



Depuis LA, le musicien Lee Noble sort un album superbe rapidement épuisé, Horrorism
, où synthés et guitares se tiennent la main dans un vacillement permanent nourri de visions nocturnes ; simultanément, il s’occupe de l’excellentissime label No Kings, où tout est beau et sold out.

Texte complet de l'interview publiée ce mois-ci dans Balise n° 3
+ Article publié dans Images en marge
# 6 sur

Quelle a été ta propre histoire de la musique, ta propre évolution, en tant qu’auditeur et en tant que musicien, entre les différents champs de la musique, les musiciens, les compositeurs ou les groupes, les styles, et, plus précisément, entre les différentes manières de penser la musique et de faire de la musique ?

En tant qu’auditeur, ça m’a pris beaucoup de temps d’arriver à ce qui a maintenant ma préférence en musique. Mon chemin était long et il m’a demandé du temps, je suis arrivé tard à beaucoup de choses, et je me suis vraiment sorti d’un gouffre à écouter de la mauvaise musique, à ne pas connaître la musique. Jusqu’au lycée je ne connaissais quasiment rien. Mes amis en savaient toujours plus que moi sur la musique, et j’ai eu beaucoup de chance qu’ils me montrent parfois des bonnes choses, même si je ne l’ai réalisé qu’avec le temps. Je me rappelle que mon ami TJ Richards m’avait passé Experimental Jet Set, trash and no star, et que je n’avais pas vraiment accroché (à cette époque on jouait déjà dans un groupe ensemble), et c’est seulement beaucoup plus tard en écoutant EVOL que j’ai finalement compris Sonic Youth, en me disant simplement « Putain de Dieu : LES GUITARES ». Je crois que plus loin on avance dans le futur, plus on nage parmi un océan de plus en plus profond de culture de merde, et l’on doit vraiment passer beaucoup de temps à nager à travers la mauvaise musique et le non-sens si on n’a pas une sorte de guide. J’ai fait un gros travail.

En tant que musicien, je viens de Nashville, et mon père est guitariste, il y a toujours eu du matériel cool à la maison et j’ai toujours aimé le contact avec les instruments, mais longtemps je n’ai pas touché à la guitare car c’était « le domaine de papa ». J’attrapais des trucs, je les reposais. Je manque d’intérêt pour la technique, j’ai plutôt tendance à travailler par sursauts et à passer rapidement à autre chose. Je fais pas mal de choses pas trop mal.

Lorsque j’ai joué dans un groupe, j’ai échangé une clarinette contre une basse, amassé un lot de guitares empruntées, et même dégoté le Moog d’un producteur de country qui l’avait eu neuf en 1981 avec un étui de transport customisé, et l’avait laissé sans le toucher dans sa cave pendant 20 ans. Je jouais surtout de la basse dans un groupe avec des amis, Poet Named Revolver, et il nous arrive toujours de jouer ensemble quand les étoiles sont alignées, ainsi qu’avec d’autres amis sous le nom de Horsehair Everywhere. On jouait, on tournait, on a fait un disque, et c’est là, c’est d’eux que j’ai tout appris sur la musique. On s’est séparé en 2007. Enregistrer notre magnum opus dans le studio d’un ami fut stressant, et je crois qu’on était trop focalisés sur le fait de signer sur un vrai label, donc on se retrouvait frustrés. D’ailleurs on cherche toujours le label pour ce que je tiens toujours pour un super album.

Pendant tout ce temps j’enregistrais des chansons de mon côté, plutôt des trucs à base de guitare saturée même si j’ai lentement été tempéré par le charme du synthétiseur.

Quand j’ai bougé en Californie en 2008, j’avais abandonné la plupart des riffs rapides. J’ai aussi eu un harmonium cassé que j’ai réparé au scotch, et qui a vraiment modifié tout mon système. Il ne marchait pas très bien, donc il fallait en jouer très lentement, il y avait beaucoup de trous qui faisaient que l’air mettait du temps à faire vibrer les anches. J’ai commencé à enregistrer des pièces pour harmonium sur cassette, à les passer en partie de fond, à mettre en boucle certains passages, et c’est toujours à peu près ce que je fais aujourd’hui.

Aujourd’hui, dirais-tu que tu as ta propre conception de la musique, et si oui quelle serait-elle, si tu peux l’exprimer en mots ?

La musique, c’est n’importe quoi qui ait une intention. Si c’est réel, c’en est.

En tant qu’éditeur, tu as fondé le label No Kings, d’abord peux-tu nous parler un peu de son histoire, comment tu en es venu à faire ça, ensuite le nom « No Kings » a une connotation clairement politique : quel lien fais-tu entre la musique, et quelque chose comme la politique ?

Avec mes amis de Poet Named Revolver, c’est-à-dire surtout avec Steve Molyneux, on a lancé le label en 2006, simplement comme un nom à mettre sur nos propres enregistrements. On faisait des CDRs, dans des pochettes en bouts de papier avec des artworks tamponnés.

Ensuite on l’a relancé en 2010, pour se concentrer sur les cassettes et sur des nouvelles musiques à publier. Le nom est bien sûr intentionnel, on est tous très intéressés par les questions de propagande, de slogans, la culture activiste de gauche, particulièrement les arts de propagande en Amérique Centrale et du Sud, et par les nombreuses itérations de la Révolution. Le mouvement situationniste, l’anarchie française de la fin des années 60, est également une référence. Le nom est un slogan est une arme, etc… Tout est politique. Faire de la musique est très politique. Pour être politique il n’y a pas besoin d’effectuer un changement manifeste du monde réel. Et ceux qui s’investissent dans des réalisations artistiques de quelque manière, sont ceux qui font le plus absolument changer leur monde. C’est tellement plus efficace et direct que de collecter des signatures sur une pétition. Tous ceux qui ont une cassette chez No Kings ou sur n’importe quel label dans le même esprit, ajoutent à la culture, et nous venons tous à peu près du même espace, donc c’est politique, c’est de l’activisme, même quand on fait de la musique abstraite apparemment sans signification, et peut-être même particulièrement quand c’est ça qu’on fait. Une goutte dans l’océan reste une goutte.

Jonathan Meese dit que « l’art doit tout dominer, que tous les politiciens doivent se résigner et que pouvoir doit être donné à l’art… La dictature de l’art est un idéal ». Ça me plaît.

Tu fais les artworks pour No Kings, et plus généralement tu appartiens à une scène musicale et éditoriale où la plupart des artworks sont importants, beaux, et font partie de l’objet que l’on reçoit quand on acquiert la cassette ou le disque. Quel lien fais-tu entre la musique et l’artwork qui lui correspond, est-ce que tout tend à être un « objet global », musical et visuel, ou est-ce que l’aspect visuel est un « plaisir bonus » mais moins important que la musique enregistrée, est-ce que les deux objets dialoguent chacun avec ses propres mots… ?

Être attentif aux détails du packaging de chaque album, est pour moi une forme de respect envers la musique et envers l’album. Si nous insistons sur le fait que ces albums ont une présence physique dans le monde, alors nous devons justifier ça en prenant grand soin de l’emballage. Plus de la moitié du matériel de chaque album m’est fourni, l’artiste apporte sa musique, la maison de copie me fournit les boîtiers plastique et les cassettes, mon rôle se réduit à un petit carré de papier et à choisir un jeu de couleurs, alors je veux être sûr que cet aspect de l’album justifie son existence sur le plan physique. Et vraiment c’est la seule motivation que les artistes peuvent avoir pour travailler avec No Kings : j’apporte le packaging. D’autres labels apportent une meilleure exposition, des éditions plus importantes, du vinyle, de la distribution. Chaque album est un partenariat et il n’y a pas de lutte entre la musique et les aspects visuels, ils sont entremêlés.

Comment travailles-tu, je suppose que l’improvisation a une part importante, mais est-ce que c’est tout, ou y a-t-il des choses écrites, est-ce qu’elles sont écrites parce que tu les as jouées et ensuite notées ou bien écrites dans un processus de « composition », est-ce que faire un morceau ou une chanson est un processus rapide ou long, est-ce que tu suis ta première idée ou est-ce que les morceaux sont le résultat de nombreuses transformations, est-ce que c’est toujours différent… ?

Est-ce que tu penses que la manière dont quelqu’un « fait » de la musique, en un mot, le sujet de cette question que je te pose, donne des informations signifiantes, ou est-ce que ces sortes d’informations « biographiques » ne sont pour toi pas pertinentes, et que la musique elle-même est la seule réponse ?

D’abord, j’enregistre quelque chose, le plus souvent improvisé, sur un petit radiocassette. Comme un field recording que je jouerais moi-même. Et je pars de ces pièces, en ajoutant des couches. J’ai des tonnes de cassettes avec de l’harmonium ou du banjo, des mélodies de guitare, qui traînent. Parfois je fais plusieurs morceaux en un jour, parfois j’ai juste la partie de base et je continue d’en ajouter pendant deux semaines. Ça peut comporter jusqu’à huit voix au final, mais j’utilise toujours la première comme un guide, et je développe à partir de là.

Je crois que le contexte, les informations biographiques, sont très importants pour beaucoup de gens quand ils écoutent de la musique. Pourtant j’aimerais que l’accent ne soit pas autant porté dessus. Les gens adorent avoir une histoire sur, d’où vient la musique. Mais je n’ai pas une histoire terriblement intéressante, je suis juste un type, et je vis à LA. Mais il y a toujours des albums qui ont été genre « enregistrés dans une cabane isolée vieille de 200 ans dans les Ozarks par un moine », et c’est beau, mais j’essaie d’ignorer le charme de « l’histoire », un peu parce que je ne sais pas quelle est mon histoire. J’espère que les gens peuvent apprécier un album qui a une histoire, aussi bien qu’un qui n’en a pas, et que le lien avec la musique sera suffisant.

Quel est ton rapport avec les « outils » de la musique, les synthés, les guitares, les pédales, le matériel d’enregistrement, peut-être l’ordinateur… ? Est-ce que tu as l’impression de les diriger, ou qu’ils donnent aussi leurs propres directions à la musique ? ou est-ce que c’est une sorte de « travail partagé » ?

Le fait que tu sois celui qui joues des instruments, mais que simultanément ils sonnent avec leurs propres sons, peut donner l’idée que faire de la musique est un mélange de liberté et de subordination ; quel est ton propre sentiment sur cette question de la liberté dans la musique ?

Je sais que j’abandonne une part de ma souveraineté à mon matériel, à cause de mon manque d’intérêt pour une plus grande attention à la technique et à la précision. J’embrasse les effets impliqués par l’usage de vieux instruments et matériels, ça fait totalement partie de mon travail. Je suis dépendant de ma propre collection de trucs, je dois mon son à leurs processus. Tu remarqueras que beaucoup de mes morceaux commencent avec le son du radiocassette quittant le mode pause. Si je m’embêtais à apprendre comment on se sert d’un ordinateur pour faire de la musique, ou bien d’un meilleur équipement, je pourrais clairement avoir plus de contrôle que je n’en ai, mais je pense que je perdrais ainsi mon identité. Les limitations sont bonnes, la liberté totale c’est la mort de la créativité, à un certain degré. Je ne suis pas nécessairement intéressé par le contrôle précis. Par contre j’ajoute à leur son ma propre sensibilité à la mélodie, je suis responsable de ça. Et si j’écrivais simplement des instructions pour d’autres musiciens, si je leur écrivais des notes, je ne me sentirais pas la même responsabilité de ma musique, elle est comme elle est parce que c’est moi qui la joue, seul.

Il y a quelque chose que tu cherches ?

Des systèmes d’expression.

Comment l’auditeur Lee et le musicien Lee sont-ils reliés ? C’est le même, ils sont différents, tu joues ou tu écoutes ta propre musique différemment de celle des autres ?

Ils sont le même. J’essaie de faire la musique que je veux écouter.

Qu’est-ce qui serait parfait en musique ?

Le mariage naturel de l’abstraction et de l’émotion, sans feinte.

Propos recueillis le 11 novembre 2011

Lee Noble, Horrorism,
Article paru dans
Images en marge # 6 sur le 2 novembre 2011

En plus de tenir à LA le radical label No Kings, le musicien Lee Noble est une promesse majeure de la jeune scène US psyché-ambient actuelle. Déjà auteur du magnifique Our star, the sun, hymne synthétique et atemporel arraché à quelles galaxies, il sort chez Bathetic Records son tout premier vinyle : Horrorism. Morceaux qui commencent et s’achèvent nulle part, baignés d’une même tonalité broyée, dissoute ; synthétiseurs en bout de course, guitares asséchées, assoiffées, échos qui tournent à l’extinction, voix touchante : la bande-son depuis la nuit reçue d’un kiosque fantôme, coincé entre deux dimensions, qui tournerait sans fin au milieu de la mer.

Lee Noble :
No Kings :

Horrorism, Vinyl by Bathetic Records (sold out)
Achat digital via Boomkat :
Ou offert ici (avec assentiment de l'auteur, & rip by The radiant now, super thanks for all) :

Et offert aussi, Our star, the sun, disponible sur le bandcamp de Lee ici :

Bonne écoute !